Adriana Asti, un tributo psicofuturista

Pubblico un ricordo della grande attrice italiana che ha donato la sua presenza al cinema e al teatro con eccellente bravura, estrema generosità e poliedrica capacità di assumere i ruoli più diversi, con registi di fama mondiale come Luchino Visconti, Pier Paolo Pasolini, Franco Brusati, Bernardo Bertolucci, Giuseppe Patroni Griffi, Vittorio De Sica, Luis Buñuel, Carlo Mazzacurati, Marco Tullio Giordana, Mathieu Amalric, Tinto Brass, André Téchiné, Benoit Jacquot. È particolarmente cara allo psicofuturismo per la sua passione psicoanalitica, la sua amicizia con Cesare Musatti, pietra miliare della psicoanalisi freudiana italiana (ho scoperto da poco che è stato addirittura testimone delle sue nozze con Giorgio Ferrara, al quale ha dedicato la piece teatrale di cui offro in lettura la recensione dello spettacolo, pubblicata sul mio libro La psicoanalisi all’Opera). Aggiungo anche un’altra brevissima nota critica di uno spettacolo visto a Spoleto, dove andai a trovarla in camerino portando in dono il libro con la recensione di Caro professore che leggerete. In quell’occasione mi accolse con garbo e simpatia e con il libro tra le mani mi strizzò l’occhiolino e mi disse: Lei lo sa, sì, che io sono una vecchia talpa della psicoanalisi?!

Caro Professore (…per sempre sua)

(Psicorecensione dello spettacolo teatrale di e con Adriana Asti, regia di Massimo Navone)

Questo delizioso, spiritoso (e spiritato!) spettacolo teatrale scritto e interpretato da una delle più grandi attrici del teatro italiano, Adriana Asti, nasce da una triste assenza, un incolmabile vuoto, una terribile perdita: di un amico, ormai che l’analisi è terminata (e la sua fine coincide – ahilui, ahimè, ahinoi – con la fine terrena dello psicoanalista) che si chiama Cesare Musatti, che è stato lo Psicopompo dell’indimenticabile interprete di Un Cuore Semplice (un dimenticato ma delicatissimo Flaubert in versione cinematografica firmata da Giorgio Ferrara) e centinaia di ruoli teatrali nonché cinematografici.

Per raccontare la storia della sua analisi e dell’assenza del Grande Vecchio nella sua vita la grande Adriana si inventa un personaggio di nome Amalia Otaria, con un marito dalla coda leonina che si chiama Armando Pelliccia, due galline e un topo che popolano la sua casa e la necessità di mettere in scena (teatro nel teatro nel teatro) di continuo storie della sua vita che per lei (la Scrittrice!) sicuramente hanno un senso preciso, e per lo spettatore un senso teatrale e psicoanalitico (e scusate se è poco).

Così in questo circo dove non c’è storia ma molte storie, insieme a Cochi Ponzoni (junghianamente l’Ombra vivente di Renato Pozzetto) l’Adriana nazionale imbastisce tanti episodi d’amore, di gelosia, di tradimento, di bisticci, di angosce materne (della di lei Madre e per non esser madre ella stessa) e severità paterne (concentrabili nel lamento: ma quanto durerà questa analisi!), facendo apparire, seppur brevemente, il suo partner maschile truccato proprio come Il Pronipote di Giulio Cesare (Musatti), e intenerendo soprattutto gli psicoanalisti presenti in sala (questa sera ne abbiamo contati almeno cinque! …e gli altri spettatori? …tutti pazienti – e buoni – fino alla fine …dello spettacolo) quando la Divina supplica il Professore di non morire mai… O quando ricorda un episodio assai teatrale della sua psicoterapia che l’Autore di Chi ha paura del lupo cattivo? ha già pubblicato anni fa lasciando (of course!) anonima la Paziente… (una storiella di pipì in ascensore – portinaia incattivita e interpretazione risolutiva del bisognino più psi che scatologico) e allora ecco il pezzo del mosaico che mancava… E chi come noi oltre venti anni fa frequentava convegni e seminari che il Grande Padre Freudiano Italiano spesso presiedeva con incredibile vitalità e giocondità (raffiche di motti di spirito, rancore affettuoso per tutti i suoi allievi famosi un po’ birichini, secondo lui perché poco ortodossi, battagliero ad ogni intervento) adesso capisce come mai, due volte su tre, una irriconoscibile e sempre mutante Adriana Asti, fosse proprio lì, con occhiali scuri, cappelli o foulards di ogni genere in testa, pronta poi a vezzeggiare il suo Maestro! (E noi lì a spiarla, ingenuamente, chiedendoci come mai la grande attrice fosse lì, in quelle tenute così mascheranti…).

Questo spettacolo è una vera giuggiola per psicoanalisti e pazienti, ma anche una ulteriore bellissima riprova di arte del recitare, e di scrivere, di un’attrice, una interprete che non invecchia mai, ferma a trentacinque-quaranta anni… come ballerebbe (danza classica, on purpose esistante) altrimenti in scena? E naturalmente il merito di tutto è della Psicoanalisi anche se l’Analista, il proprio analista, non deve morire mai (per sua scelta… ucciderlo invece, simbolicamente, è un altro paio di maniche!) e allora cosa resta alla Più Brava Paziente del Mondo e dello Spettacolo?

Più volte cade dal cielo torva e minacciosa una corda da impiccagione, unica alternativa al tormento dell’assenza, alla fine dell’analisi per decesso dell’Uomo del Transfert. Amalia Otaria accarezza ma allontana sempre la corda pendente finché non si sdoppia alla fine in due funi gemelle, che agganciano una panca d’altalena: meglio dondolarsi e andare incontro alla vita, spinti da chi ci ama, sempre più in alto, anziché dondolare con il collo appeso sempre più immobili.

Questa la bella lezione del Grande Assente e di una Grande Presente (più l’Ombra).

Spettatori, psicoanalisti e pazienti fuori dal teatro, verso la Vita. A teatro la vita continua: domani si replica.

Teatro La Cometa, Roma, inverno 1996.

Festival dei Due Mondi di Spoleto – 57° edizione

Lo psicofuturista, giunto a Spoleto, s’imbarca subito sulla nave di Luca Ronconi, che ha messo in scena una pièce tratta da due scritti teatrali di Strindberg: Danza macabra e Der Vampir. Lo spettacolo, inizialmente intitolato Danza di morte, ha ripreso il nome del primo testo nell’edizione finale, per volere del regista. E concordiamo con lui, giacché, non tanto di morte si parla, ma di infernale (r)esistenza di una coppia. Attore d’eccezione Giorgio Ferrara, patron del festival, insieme alla moglie Adriana Asti. Quel gran volpone di Ronconi deve aver pensato, magari ispirato da Stanley Kubrick e Mike Nichols, che non c’è nulla di più esplosivo e veritiero – e teatrale, dunque – che far recitare un dramma coniugale da due attori sposati da tempo, come i nostri. Ricordate la coppia Nicole Kidman-Tom Cruise, a quei tempi ancora perfetta e sposata, in Eyes Wide Shut, il cui plot altro non è che Doppio sogno di Schnitzler? Vi dice niente il film Chi ha paura di Virginia Woolf?, tratto dall’omonimo splendido dramma teatrale intramontabile e perciò copiatissimo (un solo esempio: Il dio del massacro di Yasmina Reza, poi trasposto da Polanski sullo schermo come Carnage) di Edward Albee? Con Liz Taylor e Richard Burton ubriaconi, aggressivi, simpaticissimi, superlativi e ultra sposati nella vita come nel dramma? Il testo di Strindberg, a nostro modestissimo parere, sebbene più deboluccio rispetto agli altri due appena citati, viene però corroborato e arricchito dall’interpretazione della sempre bravissima Adriana Asti e dal neo attore in perfetta parte Giorgio Ferrara. La pièce poteva intitolarsi tranquillamente anche Serata con vampiri senza cena, oppure Per favore mordimi sul collo, dato che il taglio vampiresco è quello scelto da Ronconi. Oltre alla coppia sposata, che si accinge a celebrare i venticinque anni di matrimonio, è presente Kurt, il cugino di lei, nonché suo amante. Il marito è un Nosferatu militare, taccagno e noioso; la moglie è una contessa Dracula insoddisfatta, infelice e attrice fallita. Il terzo personaggio si rivela il più diabolico dei tre, perché, pur restando senza cena data l’avarizia inveterata dell’ufficiale, li lascerà soli a sbranarsi, dopo essersi nutrito del loro sangue. Non a caso lo psicofuturista ha parlato d’imbarco sulla nave teatrale di Ronconi, perché la macchina scenica ha mimato con rullii e beccheggi la metafora della scena come una barca, sulla quale vivono la coppia e il terzo, ma sulla quale potremmo vivere tutti. I tre personaggi non sono mai in cerca d’autore, perché hanno trovato in Ronconi un direttore d’opera accorto e amorevole, che ha saputo interpretare il dittico strindberghiano con la giusta impostazione. Mentre eravamo davanti al camerino per salutare la diva Adriana, non abbiamo potuto fare a meno di ascoltare un certo Arbasino che, parlando con Ronconi, esternava amichevolmente la critica per una possibile condensazione della durata dello spettacolo, che dura ben due ore e mezzo. Concordiamo con Arbasino, anche perché, come detto prima, i dialoghi non sono così memorabili né per l’effetto né per l’arte. Gli attori e la regia, invece, ci sono piaciuti moltissimo.

[…] L’articolo completo è pubblicato su Diario psicofuturista 2014-2015 (Lithos, Roma)

(foto da Wikipedia)

La Psicoanalisi all’Opera & Psiche istruzioni per l’uso: i video integrali della serata di presentazione.

Parte 1:

Parte 2:

Parte 3:

30 Nov 2012 – Amedeo Caruso all’opera da Lithos

Evento speciale delle Conversazioni del venerdì del Centro Studi di Psicologia e Letteratura

Scarica la Brochure-Invito

Presentazione de La psicoanalisi all’opera e di Psiche istruzioni per l’uso.

Questo è un invito per una serata libridinosa!
Venerdì 30 novembre, alle ore 21.30 – Libreria OFFICINA Lithos, via Vigevano 2, Roma.
In allegato la locadina-invito.
L’ingresso è libero. ATTENZIONE a NON confondersi con il numero civico 15 dove è l’altra libreria Lithos.

Con simpatia,
Amedeo

La Psicoanalisi all’Opera

Questo nuovo libro di Amedeo Caruso ha un illustre precedente – come sostiene nella sua prefazione Giorgio Antonelli – illustre quanto poco noto in Italia: il pionieristico Die Bedeutung der Psychoanalyse für die Geisteswissenschaften di Otto Rank e Hanns Sachs, pubblicato nel 1913 e tradotto, in italiano, Psicanalisi e sue applicazioni.
In Psicoanalisi all’Opera la psicoanalisi regna, anzi è all’opera sulle arti. Viene applicata alla musica, da Puccini e Rossini al rock di Sting e degli Alan Parson Project. È adoperata per interpretare la letteratura sempre più profondamente per una lettura di Proust e Joyce alla luce di Freud e Jung. Viene utilizzata per capire meglio la pittura di Frida Kahlo e gli acquerelli di Henry Miller. Si intriga di teatro scovando regie che mettono in scena addirittura il Fondatore della Psicoanalisi, il grande Sigmund, e il Padre della Psicoanalisi Italiana, Cesare Musatti. Entra al cinema per curiosare professionalmente tra registi come Truffaut e Jane Campion, o rovistare nei simboli del Mago di Oz o indagare sul film che racconta la pazzia di Re Giorgio III. Il libro contiene anche quattro interviste speciali a personaggi illustri delle discipline in esame: Paul Bowles, Pier Augusto Breccia, Nanni Garella ed Henri Laborit.

Lo psicoanalista all’Opera

Questo è un breve diario di ascolti e visioni (ed emozioni, e rimozioni) operistiche cui abbiamo assistito (e che ci hanno assistito) da marzo ad agosto del 2006. Da Napoli a Roma, da Narni a Pesaro il vostro critico psicoanalista e andato all’Opera.

Napoli, marzo-aprile. Appassionati di Mozart ci rechiamo al San Carlo per ritrovare Le nozze di Figaro, con la regia di Martone. Ci delude la messinscena, anche se lodiamo l’orchestra diretta da J. Tate. L’opera buffa del supremo viennese, cosi colorata e birichina e profonda, risulta ingrigita e immalinconita dalla ricercata poverta (ma quanto sara costata?) del regista napoletano. Torna in mente uno spettacolo indimenticabile plasmato con grazia michelangiolesca al Comunale di Firenze dal regista francese Antoine Vitez, che catturo e definì per sempre, decenni or sono nella nostra idea della caverna platonica, quest’opera di Mozart. Il divino Amadeus concentro tutta la sua visione del mondo (e dunque dell’amore, delle relazioni, dell’amicizia, degli affari) nella trilogia “italiana” – con libretto composto nella nostra lingua da quel magnifico scrittore e viaggiatore che fu Lorenzo Da Ponte. Mozart richiede lo spirito gaio di un uomo persuaso delle vanita delle cose terrene, e che coincide con la visione joyciana che la vita essendo poco trasformabile necessita dell’inclinazione degli esseri viventi alla sua accettazione. Di tutto questo non c’e traccia al San Carlo.

Concediamo a Martone un’altra chance. Torniamo nel Regno dei Borboni (camerieri e tassisti maleducati piu di prima, tendenza ovunque alla “furberia dei quartieri”) per il Cosi fan tutte. Stessa impressione. Delusi per la nuova pesantezza volgiamo un pensiero ad una deliziosa, medesima mise en scene fatta da Giorgio De Lullo al Festival di Spoleto (quando era ancora un festival). La grazia, la dolcezza, l’eleganza, la finezza del grande compagno di Romolo Valli raggiunsero lo zenit, quella sera, della capacita magica dell’Opera. Piu del cinema, piu del teatro, ti ingloba in se e ti ospita – felice prigioniero – in un mondo dove regnano gli occhi e le orecchie, facendo levitare il nostro corpo. Cherubino che vola – letteralmente! complice Vitez (1979, dirigeva Muti) alla marcia militar per non fare piu il farfallone amoroso, e la fede delle femmine che e come l’Araba Fenice (“che ci sia ciascun lo dice, dove sia nessun lo sa”), secondo De Lullo (1977, dirigeva Daniel Nazareth) continuano a cancellare qualunque ricordo di queste visite (con lacrime) napoletane. Rinunciamo al Don Giovanni (martonesco) e preferiamo aiutare i nostri pazienti a trovare l’amore maturo, fermi questa volta sulla nostra poltrona.

Roma, giugno. Sbarca il Turco in Italia nella capitale con un nocchiero–regista pieno di talento, Stefano Vizioli. Amabile e gioiosa, piena di inventiva e di forza ludica e caratteriale quest’opera avrebbe fatto felice anche il rubicondo Rossini e restera memorabile. Sara un caso che questo regista ancora giovanissimo e stato invitato dal Centro Studi di Psicologia e Letteratura gia dieci anni fa per parlare insieme di psicoanalisi e musica alla Casa della Cultura di Roma e dove incanto la platea?

Caracalla, luglio-agosto. Passati buoni trent’anni dall’ultima abluzione alle Terme operistiche dove assistemmo ad una scalcinatissima Aida (chi era il regista? Chi il direttore d’orchestra? Ma c’era l’orchestra?) con elefanti sul palco e chiacchieroni americani–pop e corn–sugli spalti ed elicotteri rumorosi in cielo e dove giurammo di non tornare mai piu, eccoci tornare sul luogo del delitto (never say never) trascinati da una pantera verdiana. Una coloratissima scena e una forbita regia di Paolo Micciche con una buona direzione d’orchestra di Silvano Corsi ci riappacificano con il luogo e tornano a farci emozionare.

Torniamo a vedere a Caracalla anche Turandot di Puccini e ci piace l’idea registica di Henning Brockhaus di cominciare con gli interpreti truccati da Puccini e compagni per poi mettere in scena l’opera e terminare laddove ha terminato Puccini (e noto l’episodio del grande Toscanini che si giro verso il pubblico esclamando “Qui finisce l’opera e a questo punto il maestro e morto!”), in quanto l’autore non riusci’ a concludere questo capolavoro, la cui fine (commissionata a Franco Alfano) in questa realizzazione si svolge con gli artisti che ricambiano gli abiti e recitano cantando di(s)messi la parte finale: nessuno dorme.

Narni, agosto. Il felino verdiano ci accompagna alla scoperta di un’altra Aida splendida, commovente e indimenticabile con regia, scene e costumi di Paolo Baiocco e con la luminosa, fulgida e coinvolgente direzione del maestro Francesco Chirivi’. Scopriamo che questo e l’esordio nella direzione d’orchestra del musicista (diplomato in flauto) che ha piu che diretto, accompagnato con bacchetta di acciaio in guanto di velluto bianco l’orchestra e il coro della della Filarmonica “Banatul” di Timisoara, come un condottiero sempre alla testa del suo esercito, che non passa mai in retroguardia e si distingue per la fierezza ed il coraggio dei propositi, si che i suoi orchestrali guardino a lui come all’esempio per portare a termine l’impresa. Come Cesare potrebbe scrivere di se: “Sono, sogno, suono”. Questa Aida e inoltre particolarmente intrigante perche e costruita su una storia che e un po’ leggenda e che potrebbe essere un archetipo. Infatti a Narni e conservato il Sarcofago di Ramose dove potrebbe essere celata la vera Aida che si chiamava in realta HAI THA.

Un gentiluomo di Narni ha trasportato questo sarcofago fin qui dall’antico Egitto ed il talentuoso regista Paolo Baiocco ha costruito le scene partendo dalle fattezze dell’originale. Il risultato e stato uno spettacolo vivo, emozionante e finalmente diverso dalle messe in scena colossali e da quelle stereotipe.

Pesaro, agosto. Fulminati da Rossini, e forse trascinati a lui dal nostro adorato Stendhal (che scrisse una “Vita di Rossini” deliziosa) quest’anno ci regaliamo le tre prime in programma. Torvaldo e Dorliska con la regia dell’efferato Martone, che pero questa volta non ci fa inquietare. L’opera e abbastanza rara, ma a questo vuole servire anche il festival, a far conoscere le opere meno rappresentate del grande pesarese, che nonostante le simpatie francesi e quelle della Francia per lui, ha destinato tutto il suo patrimonio in eredita alla citta che gli ha dato i natali, con il fermo appoggio della seconda moglie francese, che qui tutti lodano, fino a pensare di dedicarle strade e monumenti. Il secondo giorno va in scena “La cambiale di matrimonio” che e l’opera prima di Gioachino, ed e semplicemente fantastica, anche se la regia non e nuova, ma ripescata nel lago del tempo quando fu commissionata a Luigi Squarzina. Data la sua brevita vi e annesso “L’obbligo del primo comandamento” di Mozart e nessuno capisce perche. Incontro il mio amico Arrigo Quattrocchi, critico musicale del “Manifesto” (nonche ospite tra gli esperti musicali nel mio libro “Di che sogno sei?”) e cerco delucidazioni. In effetti anche lui e perplesso di questo ripescaggio della vecchia regia di Squarzina e soprattutto della incollatura di un Mozart davvero solo per iniziati o fanatici che starebbe bene solo in un revival mozartiano. Leggo l’indomani le sue critiche sempre centrate ed illuminanti. Lui segue il festival dal 1985, dalla sua nascita e pertanto e uno dei maggiori esperti del fenomeno, un vero Genius Loci. Per fortuna c’e Dario Fo che con la sua “Italiana in Algeri” la terza sera fa in modo che “se ne cada o’teatro” (secondo la classica definizione del successo secondo Eduardo) ed anche lui sarebbe insieme a Vizioli–il regista preferito del genio autore de “Il barbiere di Siviglia”. Dario Fo e in forma smagliante e ha dipinto le scene e progettato i costumi, come farebbe un giovanissimo artista alla sua prima prova d’accademia, mettendoci tutta l’anima. Ha reso attuale e soave quest’opera senza perdere nulla della sua grinta personale e della sua poetica, che si esprime anche in un’opera leggera e giocosa come questa. I commenti seri sulla musica e sul canto cercateli sotto la firma di Arrigo Quattrocchi, una vera garanzia per principianti ed iniziati. Per quanto ci riguarda–e a nostra discolpa–come psicoanalisti eravamo semplicemente in vacanza, ma possiamo senz’altro svelarvi un segreto: abbiamo scoperto che l’opera fa sognare.